FEMMES (IN)VISIBLES – Les photographes 

Julia Margaret Cameron (1815-1879)
Pictorialisme Préraphaélisme

J. M. Cameron a quarante-huit ans lorsqu’elle reçoit en 1863 sa première chambre photographique, un cadeau de la part de sa fille et de son gendre. Éminemment cultivée, elle nourrit très vite de hautes ambitions, celles d’élever le médium au rang des beaux-arts en « combinant réel et Idéal ».Ses portraits pour  la plupart sont des plans rapprochés, cadrés serré autour du visage du sujet. Les détails sont estompés par l’éclairage en clair-obscur et l’objectif choisi. Un effet de flou volontaire donne un rendu vaporeux mais net aux bons endroits (soft focus). La pose pouvait durer plusieurs minutes, parce que Cameron utilisait une lumière tamisée et de grandes plaques. Centré sur la figure humaine, le travail de cette fervente chrétienne, mère de six enfants, est inspiré de récits littéraires et de mythes bibliques, et met en scène ses proches qu’elle fait longuement poser face à son imposante chambre sur pieds. Contrairement à ses pairs en quête de l’image parfaite, Julia Margaret Cameron revendique les accidents techniques et l’utilisation du gros plan, qu’elle est l’une des premières à employer. Critiquée de son vivant pour ses mises en scène ampoulées et son recours assumé au soft focus, qui confère à ses images une impression de flou, la photographe tombe dans un relatif oubli avant la redécouverte progressive de son œuvre au XX^e siècle.

« Reine des roses dans la roseraie des jeunes filles », cette composition évoque les toiles préraphaélites de Dante Gabriel Rossetti et Edward Burne-Jones. Comme eux, la photographe cultive une iconographie mélancolique et développe une esthétique aux antipodes des canons classiques alors en vogue dans l’Angleterre victorienne

Les références aux maîtres italiens sont omniprésentes dans l’œuvre de Julia Margaret Cameron. Elle s’inspire ici des putti qui peuplent les œuvres de la Renaissance, en particulier d’un chérubin figurant aux pieds de la Madone Sixtine de Raphaël, dont le modèle, la petite nièce de la photographe, en portant deux grandes ailes de cygne emprunte fidèlement la pose. Emblématique de l’œuvre de Cameron, cette image est aussi un parfait exemple de l’utilisation par l’artiste du soft focus, une technique donnant aux image un effet de flou et de douceur vaporeuse

Frances Benjamin Johnston 1864 1952

Née en 1864 à Washington et morte en 1952, Frances Benjamin Johnston est une des premières femme photographe et photojournaliste américaine.

Après un passage à l’Académie Julian à Paris elle commence à travailler comme journaliste avant de se passionner pour la photographie après que George Eastman, le fondateur de Kodak, lui ai offert un des premiers appareils photos de la marque. Son autoportrait de 1896 la montre avec les jambes indécemment visibles sous le jupon retroussé, fumant et buvant de la bière, le regard dur et le menton volontaire, cependant que sur la cheminée s’affichent ses trophées, les hommes qu’elle a pris … en photo

Frances Benjamin Johnston est l’une des premières femmes photojournalistes du monde. Quelque peu passée aux oubliettes, cette grande bourgeoise née en 1864 aux Etats-Unis vivait dans la bonne société de Washington et passait pour être la photographe de la “cour américaine”. Emblème de la “new woman”, elle sera toute sa vie l’avocate de ses consœurs. En août 1899, alors en voyage en Europe, elle est envoyée par George Graham Bain – dont le Bain News Service est annonciateur des agences de presse – photographier l’“Olympia”. Ce navire, arrimé au port de Naples, est de retour de la bataille de la baie de Manille, qui se tint le 1er mai 1898. Victoire éclatante et décisive dans la guerre hispano-américaine, ce combat entraîna dans son sillage une virulente critique de l’impérialisme américain. C’est dans ce contexte que, flanquée d’un laissez-passer délivré par Theodore Roosevelt lui-même, Frances Benjamin Johnston embarque sur l’“Olympia” pour immortaliser le commodore Dewey et le quotidien de ses marins. D’autres photographes grimperont à bord, mais seules ses images connaîtront le succès. “En pleine controverse anti-impérialiste, ces clichés ne sont pas anodins. Si l’amiral Dewey accueille Johnston sur son navire, si Roosevelt donne son autorisation, c’est bien qu’il y a un enjeu: il faut donner une image respectable et civilisée des marins, analyse Thomas Galifot. Johnston a été recommandée par ces hommes justement parce que c’est une femme, blanche, de la même classe qu’eux et qu’elle pourra servir leur propos. D’ailleurs, le fait même qu’une femme soit présente sur le pont de ce bateau envoie un signe. Ces héros de la bataille ne sont pas des sauvages!”

Le plus intéressant, poursuit le co-commissaire de l’exposition “Qui a peur des femmes photographes? 1839-1945”, est qu’à l’intérieur même de ces contraintes, Frances Benjamin Johnston garde une liberté de point de vue en s’amusant du mythe de la virilité des militaires, de l’homosexualité des marins. “Il y a une quasi-domesticité, une sentimentalité dans cette photo de marins qui dansent la valse. La question du genre, mais aussi de la conquête de territoires masculins, est très présente et le sera tout au long de l’histoire du rapport de la femme à la photographie.” Féministe convaincue, elle se photographie habillée en homme et faisant des activités perçues comme masculines, pour promouvoir l’égalité des sexes elle parcourt les USA et photographie la place des femmes dans la société, au travail et leur éducation.

Céline Laguarde
figure internationale du pictorialisme

Au début du XXe siècle, Céline Laguarde s’est imposée comme une figure internationale du premier mouvement artistique de l’histoire de la photographie, le pictorialisme. Son œuvre sort aujourd’hui d’un siècle d’oubli

Figure incontournable du pictorialisme, exposée de son vivant en France et aux États-Unis, Céline Laguarde fait partie de ces pionnières de la photographie tombées dans l’oubli après leur mort.

Olive Edis
pionnière de la photographie de portraits
rôle joué par les femmes sur le front de l’Ouest
Edis défend la cause des femmes britanniques

Olive Edis, pionnière de la photographie de portraits en Grande Bretagne, a acquis une grande notoriété pour avoir laissé un témoignage essentiel sur le rôle joué par les femmes sur le front de l’Ouest peu après la première guerre mondiale: 

Pendant la première Guerre Mondiale, Edis défend la cause des femmes britanniques qui participent à l’effort de guerre, les photographiant dans des usines d’armement.

La permission de se rendre sur le front de l’Ouest ne lui est accordée qu’en 1919, ce qui a amené Edis à s’intéresser aux conséquences de la guerre et à la pandémie de grippe espagnole.

Elle a été la première femme reconnue comme photographe de guerre et nombre de ses clichés font partie des collections de l’Imperial War Museum.

Imogen Cunningham 1883-1976
« La photographie, une profession pour les femmes » se rapproche de la Nouvelle objectivité

Elle s’inscrit dans le sillage de Frances Benjamin Johnston, Elle se situe clairement dans la mouvance pictorialiste (contours flous scènes allégoriques) avant de fréquenter Edward Weston chef de file de la photographie pure. Puis se rapproche de la Nouvelle objectivité. A l’aube de sa carrière, elle photographie en 1910 un couple nu et, qui plus est, avec l’homme en position de suppliant, et voilà un scandale assuré. Dès 1913, elle signait un article intitulé « La photographie, une profession pour les femmes » : « Les femmes n’essaient pas de surpasser les hommes en choisissant ce métier. Elles essaient juste de faire quelque chose pour elles-mêmes. » La photographie est une profession et en tant que telle, elle est accessible aussi bien aux hommes qu’aux femmes. La photographe luttera toute sa vie pour cette idée, éduquant et donnant des cours aux jeunes femmes qui veulent faire de la photographie. S’il était un sujet très prisé parmi les photographes pictorialistes, le nu était en revanche une provocation dans la prude Amérique victorienne dès lors que l’image était faite par une femme. La photographe est étendue nue dans une clairière, couchée sur le ventre, le visage détourné. Son corps à la blancheur de neige, modelé comme  une  sculpture,  est amoureusement caressé par les herbes. Cunningham n’entend pas s’offrir comme une surface de projection au regard sexiste masculin, pas plus qu’elle ne se soucie de franchir les limites de la bienséance : « Ma première photographie de nu était un autoportrait dans la forêt, en 1906, sur le campus de l’université de Washington.

Germaine Krull
motifs géométriques en photographie (Nouvelle Objectivité),
Elle publie ses « fers » dans un recueil intitulé Métal qui fait d’elle la cheffe de file de la Nouvelle Vision
le Salon de l’Escalier

Considérée en France comme la représentante de la Neue Sachlichkeit (Nouvelle Objectivité), mouvement réaliste allemand qui introduit les motifs géométriques en photographie, Germaine Krull reste connue comme la dame de Métal, du nom d’une de ses prestigieuses séries. À la fin des années 1920, tout s’accélère pour Germaine Krull. Elle publie ses « fers » dans un recueil intitulé Métal qui fait d’elle la cheffe de file de la Nouvelle Vision et propulse son succès médiatique. Pour Daniel-Rops cet ouvrage est le symbole de la transformation de la photographie Elle participe par ailleurs à deux expositions fondatrices de la modernité photographique : le Salon de l’Escalier à Paris en 1928 et Film und Foto à Stuttgart l’année suivante. Le Salon de l’Escalier, premier Salon Indépendant de la Photographie, réunit, selon Paris-Soir, les « meilleurs photographes du monde entier » dont Germaine Krull fait partie, aux côtés d’un Man Ray et d’une Berenice Abbott Albin Guillot, D’Ora. Le succès de Germaine Krull comme symbole de la modernité photographique ne dure finalement que quelques années, entre les années 20 et 30. Elle tombe rapidement dans l’oubli du fait de son départ en Asie et de la dispersion de ses tirages.

Bérénice Abbott
Berenice Abbott découvre le travail d’Eugène Atget

Berenice Abbott achète ses archives et s’attache, durant les quarante années à venir, à les valoriser.

Lorsque la vente de ses tirages dépasse son salaire d’assistante et que ce début de succès porte ombrage à Man Ray, leur collaboration s’achève. Elle s’installe alors dans un modeste studio où se rendent de nombreux artistes et écrivains, dont elle réalise le portrait (Jean Cocteau, André Maurois, André Gide). Sa première exposition présentée à la galerie Au Sacre du Printemps, en juin 1926, reçoit un bel accueil de la critique.

C’est par l’entremise de Man Ray que Berenice Abbott découvre le travail d’Eugène Atget installé rue Campagne Première. Elle fait son portrait quelques mois avant sa mort en 1927. Consciente de l’œuvre qu’il laisse derrière lui, Berenice Abbott achète ses archives et s’attache, durant les quarante années à venir, à les valoriser. Profondément marquée par ce travail construit artisanalement selon une approche documentaire novatrice, elle s’en inspire pour photographier New-York à son retour aux États-Unis, en 1929. L’ouverture de son studio new-yorkais ne suscite pas le même intérêt qu’à Paris et elle peine à trouver une clientèle. Sa situation financière se dégrade au point qu’elle cède 50% de ses droits sur la collection d’Eugène Atget au galeriste Julien Levy. Décision dont elle gardera toute sa vie un goût amer

Enfin, les photographies les plus marquantes de l’architecture new-yorkaise sont sans doute celles de Bérénice Abbott, de retour dans la métropole américaine en 1929, après un séjour à Paris où elle a découvert le travail d’Eugène Atget. Ce dernier utilise un appareil très démodé, une chambre technique 8×10 cm, pour photographier les rues de la ville aux prises à de nombreux bouleversements. Frappée par cet œuvre, Abbott en acquiert une grande partie avant de créer ses propres archives urbaines, projet pour lequel elle recevra le soutien du Fédéral Art Project, l’une des branches de la Work Progress Administration (l’administration Roosevelt). En 1937, son exposition « Changing New York » est inaugurée au musée de la Ville de New York ; deux ans plus tard, Abbott publie un ouvrage sous le même titre³⁹.

Lucia Moholy
Walter Gropius, le fondateur du Bauhaus, utilise 50 photos de Lucia sans créditer son travail

L’histoire de l’art a longtemps relégué Lucia Moholy dans l’ombre de son époux, László Moholy-Nagy : les déménagements du Bauhaus, la guerre et le transfert d’une partie des archives de l’école aux États-Unis ont occulté son œuvre, souvent attribuée à d’autres. Lucia Moholy qui écrit une histoire culturelle du médium dans A Hundred Years of Photography (1939). Pendant son séjour à Londres, l’intérêt pour le Bauhaus s’accroît et des catalogues sont publiés, utilisant des clichés de Lucia – issus des négatifs qu’elle a dû laisser derrière elle – sans la mentionner. En 1938, Walter Gropius, le fondateur du Bauhaus, utilise ainsi 50 photos de Lucia pour une exposition du Museum of Modern Art (MoMA) et le catalogue afférent, sans lui attribuer son travail. Lucia contacte alors Gropius pour tenter de récupérer son travail, mais en vain. Des échanges épistolaires entre eux ont été retrouvés. En 1972, elle publie l’ouvrage Moholy-Nagy Notes pour tenter à nouveau de récupérer le crédit de l’importante œuvre utilisée sans sa permission, ainsi que de son travail effectué dans l’ombre auprès de son ex-mari.

Lucia Moholy meurt en mai 1989 à Zurich, à l’âge de 95 ans. Aujourd’hui encore, certaines publications continuent de ne pas lui attribuer la maternité de ses œuvres

Dora Maar
Elle voit toutefois sa carrière de femme libérée entravée par son amant, Pablo Picasso, qui l’oblige à déposer son appareil

Parfois elles s’inventent un nouveau nom, se recréent un « Moi », tournent le dos au rôle traditionnel de l’épouse et de la mère, comme Henriette Theodora Markovitch qui suit une formation de peintre-photographe et raccourcit son nom en Dora Maar. Elle voit toutefois sa carrière de femme libérée entravée par son amant, Pablo Picasso, qui l’oblige à déposer son appareil. Égérie surréaliste puis muse, amante et modèle de Picasso, Dora Maar a joué un rôle essentiel dans la vie du peintre espagnol… quitte à sacrifier son premier amour : la photographie. En mai 1943, Pablo Picasso rencontre Françoise Gilot et se sépare alors de Dora Maar. Après une rude dépression, cette dernière s’installe et vit ses dernières années à Ménerbes, dans le Lubéron, où elle se recentre sur la peinture et ses amis, notamment le peintre Nicolas de Staël, qui habite le même village. L’oeuvre photographique de cette artiste a longtemps été occultée par sa biographie : compagne de Pablo Picasso, on a longtemps oublié son importante création photographique. 

Lee Miller
Photographe, mannequin, correspondante de guerre, et figure du mouvement surréaliste.

Son parcours est marqué par un esprit indépendant et avant-gardiste qui l’a menée à briser les conventions de son époque. La vie de Lee Miller bascule dans une rue new-yorkaise. La jeune femme, alors âgée de 20 ans, manque de se faire renverser par une voiture et tombe dans les bras d’un inconnu – un homme providentiel du nom de Condé Nast, magnat de la presse qui détient les magazines Vogue et Vanity Fair. Lee Miller n’a que 20 ans et son corps, son visage ne lui appartiennent plus depuis fort longtemps. L’heure est venue de reprendre le contrôle. Direction Paris où, en cet été 1929, elle devient photographe à son tour. Forçant le destin, c’est Man Ray qu’elle choisit comme professeur, en se présentant à lui dans un café d’un simple : « Lee Miller, je suis votre nouvelle élève.» 

« J’étais très belle. Je ressemblais à un ange mais, à l’intérieur, j’étais un démon », 

En 1946 elle se marie avec Penrose. Lee qui souffre désormais d’une grave dépression et se réfugie de plus en plus dans l’alcool, recommence à prendre des photos de mode pour Vogue. À partir des années 1950, elle ne ressort plus que rarement son appareil. Elle prend de plus en plus de plaisir à cuisiner et fait preuve d’une grande créativité pour les plats qu’elle invente, dont beaucoup ont des accents surréalistes : des tétons de chou-fleur rose, des spaghettis bleus et des poissons aux yeux en marguerites.

Claude Cahun (pseudonyme de Lucy Schwob)
Les autoportraits permettent aux femmes de questionner leur identité sexuelle

L’autoportrait est un moyen pour l’artiste de représenter sa place dans la société et ses engagements. Durant le XIXème siècle, on trouve très peu d’autoportraits de femmes. En revanche, au XXème siècle, ce genre devient une obsession, un moyen d’explorer leurs identités et l’image qu’elles renvoient d’elles-mêmes. Les autoportraits permettent aux femmes de questionner leur identité sexuelle. Les photographes Claude Cahun et Florence Henri réalisent de nombreux autoportraits, interrogeant leur féminité. Claude Cahun pseudonyme de Lucy Schwob, née à Nantes, anticipa largement sur les recherches contemporaines touchant à l’art corporel et la mise en scène, en réalisant d’étonnantes méditations sur le narcissisme, le dépassement des genres (féminin, masculin, hétérosexualité et homosexualité) à travers écrits, photomontages et autoportraits. Juive, lesbienne, anorexique, révolutionnaire, elle vécut un unique et grand amour avec Suzanne Malherbe, fille de sa belle-mère, avec laquelle elle forma un couple actif dans la création, tant et si bien que l’on pourrait se demander s’il ne serait pas bon de lier leurs deux noms. «L’on raconte qu’André Breton sortait des cafés dès que Claude y entrait tant il trouvait son apparence perturbante».

Lisette Model
Portrait sans concession de la bourgeoisie européenne

Lisette Model, en émigrant à New York, exporte le style très moderne amorcé dès ses débuts en France. le style Model est en place : portrait sans concession de la bourgeoisie européenne entre les deux guerres, opulente et oisive, montrée sans fard dans des attitudes peu flatteuses. Son regard direct est cependant respectueux des sujets photographiés. Son rapport au sujet est direct, frontal, très offensif. Elle cadre serré, souvent en contre-plongée, des personnages de rencontre dont elle cerne l’originalité (souvent à leur insu), Lisette Model fera «école» en devenant le professeur de nombre des plus grands photographes américains. Elle écrit : « La Promenade des Anglais est un jardin zoologique où sont venus se vautrer dans des fauteuils blancs les plus hideux spécimens de la bête humaine. »

Gisèle Freund
Interroge le pouvoir de l’image, la manière dont hommes et femmes regardent le monde, le photographient

Pour chaque reportage, elle rédige textes et légendes. Et poursuit ses recherches sur le médium, interrogeant le pouvoir de l’image, la manière dont hommes et femmes regardent le monde, le photographient. Ses réflexions lui inspirent plusieurs essais, dont le premier ouvrage à traiter du médium sous un angle social. Ce n’est pas la technique qui l’intéresse, ni de parler boutique. Mais l’humain. «Toujours, d’abord, l’humain», dit-elle. Au cœur de sa pratique. Au cœur de ses préoccupations

Un Leica toujours accroché au cou, cette autodidacte ne songe alors pas une seconde à en faire son métier. Elle s’imposera pourtant comme l’une des pionnières de la couleur, célèbre pour ses portraits d’écrivains, autrice de la photo offcielle de François Mitterrand en 1981. Une femme qui n’a, en outre, jamais cessé de penser et d’analyser le médium photographique dans ses travaux comme dans ses textes. Son engagement sans faille aux côtés des laissés-pour-compte, sa révulsion devant l’injustice sociale passeront dès lors par le médium. 1932 : des prostituées de Francfort. 1935 en Angleterre pour raconter la vie des chômeurs. Et puis il y a ces reportages en Amérique latine les mineurs du nord les populations autochtones, ; des forçats.

Helen Levitt
Elle se focalise sur les enfants : « ce peuple à la fois rassurant, effrayant et incompréhensible »

New York constitue à la fois un personnage et un décor, où des enfants jouent et des adolescents posent. Ces images prises sur le vif, au 35 mm, ne sont pas sans évoquer le mouvement cinématographique français du réalisme poétique. Chaussures abandonnées sur le trottoir, enfants qui se dissimulent sous des voitures (New York, 1980), parents qui disparaissent dans des landaus : la rue devient un théâtre populaire et joyeux. Cependant, derrière la fantaisie perce une forme d’inquiétude : les masques et les déguisements sont quelquefois angoissants, et la pauvreté bien visible. Mais de nombreuses images jouent aussi sur le contraste entre la morosité des intérieurs et la joie de vivre des personnages. Elle se focalise sur les enfants : « ce peuple à la fois rassurant, effrayant et incompréhensible »

Janine Niepce
Janine Niépce sera l’une des premières photographes à rendre visible le travail invisible, celui des femmes une fois rentrées à la maison, dans leur foyer. 

Ouvrières, avocates, infirmières et femmes au foyer… Toutes étaient des travailleuses, et c’est elles que Janine Niepce a choisi de mettre en lumière tout au long de sa carrière de photographe « humaniste ». Une artiste résolument féministe, surnommée par certains confrères, avec sans doute un soupçon de dédain : « la photographe des bonnes femmes ». Janine Niépce sera l’une des premières photographes à rendre visible le travail invisible, celui des femmes une fois rentrées à la maison, dans leur foyer. Revendiquant son féminisme, elle est aux premières loges de ces combats et souhaite offrir un témoignage personnel, celui d’une femme qui a dû faire sa place dans le monde du reportage, largement masculin. Elle publie d’ailleurs en 1983 avec le ministère des Droits de la femme un livre de portraits de femmes exerçant des métiers dont elles sont habituellement exclues. Son approche est celle de la photographie engagée et humaniste, privilégiant le noir et blanc. Ses photographies ont été rassemblées dans de nombreux livres, dont en 1995 son autobiographie, /mages d’une vie.

Vivian-Maier
Ses images, retrouvées récemment dans un grenier, lui valent une notoriété posthume d’ampleur mondiale.

C’est un mythe et une histoire hors du commun, Vivian Maier dont le travail a été découvert par le grand public après son décès en 2009, est considérée aujourd’hui comme un génie du XX^e siècle de la photographie de rue. Et pourtant, cette dernière a vécu dans l’anonymat comme nounou à New York !!

Martine Franck
Travail de grande envergure pour les droits de la femme

Associée à l’agence Magnum, elle en devient membre en 1983. Elle entreprend alors un travail de grande envergure pour les droits de la femme. De plus en plus engagée dans son art, Martine Franck s’intéresse aux sujets à caractère social dans une volonté de témoignage de la réalité : « Mon principal désir est de présenter des images qui incitent à la réflexion ». Elle réalise alors de nombreux reportages en soutien à des causes humanitaires, et collabore avec l’association des petits frères des Pauvres, œuvrant pour des personnes souffrant de solitude, de pauvreté, d’exclusion ou de maladies graves.

Sabine Weiss
D’une grande sensibilité, très proche des gens

Sabine Weiss est la dernière représentante de l’école humaniste française, qui rassemble des photographes comme Robert Doisneau, Willy Ronis, Édouard Boubat, Brassaï ou Izis.
D’une grande sensibilité, très proche des gens, elle mit en place un style qui utilisait le clair-obscur, le brouillard, la lumière des bougies, la buée, afin de créer une atmosphère feutrée à la recherche d’instants magiques où la plénitude et la simplicité forment un tout. Ses images parfaitement composées expriment le mystère indéfinissable des choses et des êtres

Sophie Calle (1953-)

Son œuvre est souvent qualifiée d’autobiographique, car l’artiste utilise sa propre vie (parfois amoureuse), son territoire et ses rencontres comme matériaux pour construire des rituels, des installations où la photographie et le texte jouent une place prépondérante

Sophie Calle est devenue l’un des visages emblématiques de l’art contemporain en France. Son œuvre est souvent qualifiée d’autobiographique, car l’artiste utilise sa propre vie (parfois amoureuse), son territoire et ses rencontres comme matériaux pour construire des rituels, des installations où la photographie et le texte jouent une place prépondérante. L’œuvre de Sophie Calle est à la fois conceptuelle et littéraire. Son travail propulse l’intime dans la sphère publique.

Elle se raconte, certes, et sur le mode de ce qu’on appelle aujourd’hui l’autofiction, mais en faisant le plus souvent appel à d’autres. Que ceux-ci témoignent d’expériences analogues à la sienne ou qu’elle leur demande de se faire les interprètes du secret qu’elle divulgue. Ce qui se présentait au départ comme relevant de l’intime est ainsi rendu à une manière d’anonymat, de collectif, où chacun peut se reconnaître et s’identifier dans un processus de publicité si caractéristique que son art a pu être qualifié de « caméléon » (Anne Sauvageot) vis-à-vis d’un environnement médiatique dont elle subvertit les codes avec ironie. Sophie Calle se plaît à traquer et s’approprier l’intimité des autres, à impliquer le premier venu dans ses fables et ses rituels. Son approche relève souvent de celle du détective, en quête d’indices, qu’elle met en relation avec sa vie. En ce sens, elle accorde une place de choix au spectateur, qui devient témoin, parfois voyeur, de son intimité (exhibée). L’œuvre relève du mélange entre fiction et autobiographie. Avec humour, elle prend de la distance avec son propre personnage.

Diane Arbus
Clichés inattendus, provocants, forcément émouvants. immortalise sur la pellicule des handicapées mentaux.

Toute sa vie, Diane Arbus a lutté contre les préjugés à travers des clichés inattendus, provocants, forcément émouvants. En immortalisant sur la pellicule des handicapées mentales s’amusant dans un parc, elle a scandalisé l’opinion. « Ses contemporains ont jugé sa démarche de mauvais goût. Chaque fois, Diane Arbus s’est entretenue individuellement avec ses sujets. À son contact, ils acceptaient de s’ouvrir à elle, et au monde. »

Letizia Battaglia

Née à Palerme en Italie, Letizia Battaglia (1935-2022) est aujourd’hui considérée comme l’une des grandes photographes du XX^e siècle. Artiste et activiste célèbre pour son travail sur Cosa Nostra, la mafia sicilienne qui règne pendant les années de plomb, elle a pourtant développé une œuvre colossale et très diversifiée de plus de 500 000 photographies. Battaglia montre le monde avec une passion fougueuse, en direct, sans en cacher aucun aspect, des plus effroyables aux plus poétiques. 

Mary Ellen Clark
Exclus de la société, les pauvres, les fugueurs, les prostituées, les drogués et les prisonnières

Mary Ellen Mark est une photojournaliste engagée, et s’est très vite consacrée aux sujets humanistes. Ses thèmes de prédilection sont les exclus de la société, les pauvres, les fugueurs, les prostituées, les drogués et les prisonnières, elle établit un dialogue et une relation forte avec ses modèles, s’intéresse aux rapports avec eux qu’elle installe aussi bien dans une photo que dans la vie réelle. Les portraits qu’elle réalise ne sont jamais posés et sont souvent faits au grand angle afin de placer le sujet dans son contexte.

Graciella Iturbide
Le concept d’« instant décisif »,tient un rôle central dans sa production

 Elle hérite de l’approche humaniste et du style poétique de son mentor, Manuel Álvarez Bravo ainsi que de son noir et blanc non négociable et de sa fascination pour l’éclectisme des expériences culturelles, religieuses et politiques de la vie quotidienne au Mexique.. Le concept d’« instant décisif », forgé par Henri Cartier-Bresson (1908-2004), tient un rôle central dans la production de la photographe.

Nan Goldin
Symbole de la lutte contre la violence faite aux femmes.

l’artiste révèle aussi avoir dû, lors de ses débuts précaires, se prostituer dans une maison close, et revient sur son agression par l’un de ses compagnons qui lui a fait frôler la mort, dont témoigne son Autoportrait après avoir été battue (1984), devenu un symbole de la lutte contre la violence faite aux femmes.

Cindy Sherman
Place de la femme dans la famille, la féminité et les violences conjugales

Dans les années 1960, le mouvement féministe questionne la sexualité, la Certaines photographes se sont emparées de ces sujet. Ce fut le cas de Cindy Sherman qui a effectué durant toute sa carrière des autoportraits dans lesquels elle se met en scène et se travestit. Dans son œuvre, elle adopte une multitude d’identités très diverses. Elle entremêle les sexes, les couleurs de peaux, les âges, pour mettre en avant les rôles, clichés et fonction qui parsèment le corps social et notamment l’identité féminine.

elle est généralement considérée comme une des représentantes de la photographie plasticienne, à l’opposé de tout esthétisme documentaire. Elle travaille sans assistant, et avec un seul modèle, elle-même.